铁岭超市连卷袋批发怎样有效地体现出油画

铁岭超市连卷袋批发怎样有效地体现出油画艺术作品的层次感？

一，说到层次感，我不禁想起大诗人苏东坡的两首诗，一首是赞美庐山的：“横看成岭侧成峰，远近高低各不同”。一首是赞美西湖的：“水光敛艳晴方好，山色空蒙雨亦奇”。东坡先生夸的不就是庐山西湖的层次感和意境美吗？

二，江山美如画，画似江山美。油画作为视觉艺术，是通过欣赏者的视觉感官产生共鸣效果和美的享受的。层次感不仅是油画主题鲜明的重要表现手法，而且也是油画凸显意境美的主要技巧形式。油画诞生的600多年来，艺术家一直在孜孜探索如何加强油画的层次感，使油画表现力达到一个最佳的效果。那么，油画的层次感主要体现在哪些方面呢？简单地说，两个方面。一个是造型。一个是色彩。

三，造型是油画的基础，当然也是体现油画层次感的基础。人说“油画是造型和色彩的艺术”，我觉得很有道理。600年前，当达芬奇、波提切利、米开朗基罗、拉斐尔等油画前驱艺术大师将透视学原理引入油画创作中，油画的造型具像发生了革命性的变化，油画的立体感和层次感顿时凸现出来。为什么说素描是油画的基础，因为油画的造型主要在素描，素描好了，造型准了，油画就体现出了一定的层次感。

四，色彩使油画的层次感更加明快，更加丰满。精准立体的素描造型使油画初具了层次感，但是这种层次感还比较单薄，还不够丰满，必须通过色彩的渲染使它充实丰富明亮起来。文艺复兴时期，威尼斯画派巨匠提香把油画中色彩运用推向当时一个巅峰。提香善于用红色或褐色做底色，再用更重的颜色在这底色中重叠，使油画厚重、大气、饱满，层次感非常突出。提香被称作是“使用了威尼斯城全套色系的画家”。这之后，十七世纪伦勃朗开创了“明暗法”，十九世纪印象主义的产生，使油画更注重色彩在自然条件下的变化。等等这些，越来越强化了色彩对于油画层次感和意境感的作用。同时，通过色彩的运用也使油画的主题思想更加鲜明，情感情绪得到充分的表达和释放。

所以我以为，怎样体现油画的层次感，关健是抓好两大环节，也就是造型和色彩。

画的油画画面总是无法产生明暗层次感，这是为什么呢？

若是对一幅油画作品的各个细节做仔细的评价，这是很难的一件事情，毕竟画面中的很多细节，就连画家自己也未必可以全顾及到，就写实油画而言，无非就是“光影明暗对比、空间透视效果”这是主要的，问题来了：画的油画画面总是无法产生明暗层次感，这是为什么呢？

油画画面的明暗层次感

开篇简单提到，就写实油画而言，无非就是“光影明暗对比、空间透视效果”这是主要的，言外之意是说，也只有写实油画才会有明暗层次感，所以，可以这么认为，画的油画画面总是无法产生明暗层次感，因为画的是抽象派风格的油画，一切抽象派都放弃了传统透视法，

抽象派是完全依靠色彩来造型，有立体感，却不会有明暗层次感，因为画面没有“透视”，确切的说是没有光影；当然了，如果是写实油画的画面无法产生明暗层次感，那是色调处理不当，为什么这么说呢？因为油画是以色彩为载体，一幅油画中的色彩与色彩之间要形成对比，迫求统一和谐的效果，

画面“色彩对比”效果不统一和谐，光影就显得凌乱，自然就没有层次感，或者也可以说是笔触线条不够细腻，油画画面也无法产生“光影明暗层次感”，或者这“明暗层次感”不够鲜明，我们把那些印象派油画和写实油画放在一起，进行对比就知道了，比如，卡拉瓦乔、伦勃朗的油画作品“明暗层次感”就非常鲜明，

综上所述，要让油画画面产生“明暗层次感”，首先要熟悉了解各种色彩的特性和视觉感受，然后才能结合作品的表现意图，将画面“色彩对比”处理的恰到好处，统一协调的效果，当然了，要用写实手法表现画作人物、景物之间的关系（主体与背景），简单的说，将“伦勃朗式用光”灵活掌握运用即可。

怎么画才能让画有立体感、层次感？

就算是刚刚开始学画的人，对于画面的“立体感”、“层次感”这些词都耳熟能详，也是美术老师指导学生画画时常挂在嘴边的词。

简单地说，立体感和层次感其实就是指画面的空间感。当然，立体感和层次感的概念还是有一些不同的，立体感主要是指要描绘对象的本身，所表现出来的立体真实感。层次感则一般是指多个物体之间，体现出来的远近虚实关系。

按照一般的教学方法，学习素描先要练好线条，然后就是通过结构素描来训练造型能力，紧接着就要学着上调子了。于是，三大面、五调子这些东西就不能回避了。素描如此，色彩亦然，透视和空间感是一定要注重的。

“三大面”大家很容易理解，指的就是亮面、暗面和灰面。

亮面是物体受光线直接照射的一面，暗面是背光的一面，灰面则是介于亮面和暗面之间，一般是侧光或者光线间接照到的部分。其实，画面中将这三个面表现出来了，大致的立体感也就表现出来了。从某种程度上来说，光线越强，亮面和暗面的对比越强，画面的立体感自然也就越强烈。

相对于“三大面”，“无调子”则表现得更细，依次为高光、亮灰、暗灰、明暗交界线、反光和投影。

有点美术基础的人，听这些东西显得太过于基础了，但是真要把这些关系表现到位也还是需要一段时间训练的。如果把这些关系画准了，画面的立体感也就表现出来了。

在油画中，就包括了素描关系和色彩关系的塑造，只有这样，才能表现出画面的立体感和层次感。在我们的绘画作品中，时常还要用空气感来表达层次。说起来其实也很好理解，就是近处的物体一般都会画得清晰、鲜艳、锐利些，而远处的物体，则朦胧、淡雅、模糊些。

当然，有些画家的创作思维不太一样，表现技法也会有些区别。但是最后的艺术追求和审美趋向还是大同小异的。

当然，这也只是惊龙轩一家之言，欢迎与大家一起交流探讨。谢谢！

油画和国画，你更喜欢哪一种？

油画那充分表达复杂的色调层次，具有透明、浑厚而丰富的画面表现效果，而且颜料又有极大的遮盖力，描绘也较自由，画面便于修改，可反复多次表现物象的精神、实质。从一开始学习绘画，我几乎就喜欢上了油画，并坚守了许多年。可是油画那充满诗般的绘画语言，我始终不得要领。多年后，我惊奇地发现，中国最好的油画家的作品被称作为“中国油画”，始终以一个外来者的姿态出现，绘画创作不仅仅是绘画语言的表现，最为重要的还应该以民族文化精神为依托。

《维纳斯诞生 》 法国画家布格罗于1879年创作的一幅油画作品，画家通过柔和的造型以及明亮的色彩使人物的神情与姿态获得了美妙的和谐。

国画，从一开始学习，似乎就有一种亲切感。因为中华民族的绘画创造来自意象，与“天人合一”的传统哲学观念一脉相承。“天地与我并生，而万物与我为一”的写意性艺术观，构成了国画物我交融、主客合一、既观物又观我的宏观思维方式，使国画的表现达到了既超越表象、跨越时空，又默契着客观法则的幻化境界。

“外师造化，中得心源”的创作原则，使国画以物抒情，以情表意，既强调生活物象的典型性，又使生活物象的表现带有明显的个人品质。

庐山高图 （明）沈周

《庐山高图》是沈周为他的老师陈宽70岁生日祝寿，凭借想象而创作的一幅国画精品。沈周用庐山的崇高来比喻老师的学问与道德，同时庐山上有著名的五老峰，沈周借万古长青的五老峰来祝贺老师的寿诞。

画油画需要绘画基础吗？

画油画的基础

所谓“基础”，在绘画艺术中，可以理解为基本功，也可以理解为不可缺少的核心要素，前者无关紧要，后者非常重要。那么，画油画需要绘画基础吗？这问题可以分两个方面来讲，1，油画以“色彩”为载体，这无论哪个流派风格都需要色彩，色彩可以塑造形象、表现主题、烘托氛围，

那么，从色彩方面来讲，画油画是不需要绘画基础的，只要倒出色彩颜料，直接就可以在画板、画纸上进行绘画，无关美丑，反正抽象派油画就是这样子的，作为油画爱好者，别把抽象派想象的太复杂难懂，完全可以尽情的发挥，想怎么画就怎么画，画里有色彩就行，反正毕加索就是这样画的，对吧！

如果从素描方面来讲，画油画是需要绘画基础的，就是素描基础，传统油画就是以素描为基础，素描是油画艺术的一切基础，油画作品的空间造型、光影明暗、虚实对比效果在素描中就开始呈现了，素描可以让油画的物象更加写实规范，练习素描，可以熟悉画者的绘画手感，让画作的线条更流畅有层次感，

自古以来，有成就的油画大师，都非常注重素描在油画中的地位，画好素描不是件简单的事情，素描本身就是绘画艺术，不只是油画艺术的基础。画好素描也没有捷径可走，新古典主义绘画大师曾对年轻的德加说：“年轻人要画好素描，就只有不断重复的练习画线条”，最终，德加也成为了一代油画大师。

为什么西方油画有这么多裸女？

无声、无字、无旋律的西方油画充满了让人产生无尽遐想的神秘感，这“神秘感”从题材到流派风格：比如，历史、宗教神话、人物等等；古典主义、新古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义、以及各种形式的抽象主义，问题来了：为什么西方油画有这么多裸女？

西方油画有很多裸女

是的，在摄影技术未诞生之前，“裸女”都频繁的在西方油画中出现，而且任何一种流派风格的油画中都有“裸女”，只不过不同流派风格油画中的裸女形象都不同，其中，“超写实主义”油画中的裸女最为美观、逼真迷人；抽象画派中的裸女都是不同程度的丑陋，

当然了，摄影技术诞生之后，油画中依然还有裸女；之所以西方油画有这么多裸女，那是因为画家几乎都是男的，“异性相吸”，男画家画裸女，这是天经地义的事情，不论女人的身材样貌如何，但是，大多数的画家都喜欢画有身材有样貌的女人裸体，满足视觉上的享受可以提升创作时的热情与灵感，

不过，话说回来，“裸女”这个题材在油画艺术中的出现，并非一帆风顺的，在西方中世纪之后的欧洲文艺复兴时期，刚开始依然受到一些宗教教皇的抵制和打压，画家们并不敢光明正大的创作有关裸女形象的油画作品，愿意当画家模特的女人也少之又少，导致画家都是直接以自己的情人为模特，这样方便创作，

俗话说，没有不透风的墙，当一直提倡“禁欲主义”神学思想的宗教教皇发现画家们描绘的裸女画，被画中赤裸裸美轮美奂的裸女形象所吸引，心理防线瞬间就没了，又由于画中的裸女都被描绘成《圣经》或神话故事里的诸神形象，宗教教皇就允许裸女在油画中出现存在，从此之后，“裸女”在西方油画中就泛滥成灾了。

为什么西方油画中，经常出现镜子？有什么寓意吗？

您好，这里是万物皆明为您原创回答。

首先，西方油画中出现镜子是有很多的，但还不至于“经常出现”。但是确实有一定的意义。

西方油画中出现镜子大部分是两种情况，一种是人物画，一种是静物画。人物画很好理解，镜子是人们生活中常用的物品，而且照镜子也是人们经常做的事情，在画作中出现镜子很正常。那么静物画出现镜子比较少，很少人会选择镜子作为对象，倒也是有的，数量比较少罢了。

其次，镜子代表的意义有很多，而且不同情况下意义不同。

1、财富地位的象征。镜子在西方中世纪绝对是有钱人的专属物品，在所有的油画作品中，只要出现镜子，里面的人物绝对是贵族，或者是有钱人，因为从里面人物的穿着打扮上就能看出来。那么再画作中出现镜子，你也可以认为是一种变相的炫耀，这种带镜子的画作多为宫廷画或者贵族肖像画。

2、画家实力的表达。有些时候画作中出现镜子，并没有很复杂的意义，纯粹是画家为了展示自己的绘画技巧，因为一旦出现镜子，那么一个人物就会成为两个人物，并且穿透空间，对人物或者环境是一种全方位的描写，要求非常高。

另外一个就是空间的延伸，一个人在照镜子，那么观看的人就会不由自主去想象这个人在镜子中的形象，从而延伸了想象空间。

3、善与恶的对立。这在宗教绘画中比较常见，因为镜子可以展现出人物的另外一面，善与恶、美与丑等等。同样的，在东方也有这样的说法，比如说在红楼梦中出现过一面“风月宝鉴”，一面是骷颅，一面是美女，这是有寓意的。

在西方，人们并不是完全的不迷信，镜子代表团圆和美好，一旦镜子被打碎，意味着会有厄难降临，也有一种说法叫做“7年之难”，这个说法来源于古代法律，宫廷侍女如果不小心打碎了一面镜子，会被关押7年，当然这也从侧面说明了在早期，镜子的贵重程度。

最后，大部分时候镜子的出现是没有实际意义的。

刚才我们说了几个关于油画作品中镜子的意义，其实大部分时候镜子作为日常生活用品，它的出现并没有实际意义，古代能请得起画家画肖像画的人也必然不差一个镜子钱，而穷人就算买得起镜子，也未必有钱请画家们给他们画肖像画。

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摄影艺术和油画艺术最鲜明的相同点是什么？

摄影艺术和油画艺术，艺术领域里代表性的两门艺术，最鲜明的相同点是构图、光影、色彩的表达。

作为一名艺术工作者，我画画，也喜欢摄影，画是专业工作，摄影是业余爱好，多年的体会，摄影与油画，相同之处颇多。

1.绘画里常讲构图，摄影既是，油画既是，一幅作品，有了构思便得有构图，摄影取景便是构图，油画画面更讲究构图，有好构图，作品成功一半。

2.色彩是二者赖以生存的根基，摄影需要色彩，虽然也有黑白照片，黑白灰就是一种单纯的色彩，油画更离不开色彩，不敢想象，没有色彩，油画何以为计？可以看出，二者都是表达色彩的艺术。

3.光影是摄影和油画的画面精灵。美妙的光影给作品以精气神，特别是摄影，赖以生存的光影啊，没有光的聚集，就没有了摄影；油画光影的表达，借鉴了摄影，光线的变化体现物像的空间感、体积感，摄影和油画，也是是光影动的艺术。

摄影可以拍出油画般的效果，油画呢，得到摄影许多养分，如画面构图、光影表达，色彩运用等等。

西方写实油画的意境、结构层次如何分类？

承蒙邀请，不甚感谢。就西方写实油画的意境与结构层次的浅谈一些个人的看法，与大家共同商榷。

西方写实油画的意境是通过光影的聚焦，透视，近似三维或四维成象的原理，通过笔触的黑、灰、白等的素描技法，依次多层次的着色技术处理，将人物或物体真实的表现出来。其层次主要是通过主体(如人物等)与背景的衬托的关系、光亮的明暗、色彩的冷暖与浓淡和厚薄来体现。

结构的层次主要是以画面的主体(如人物、树木等)形态的几何形状来体现，如疑似长方形、方形、圆形、梯形、三角形等，或用物体的对比等，来完成画的的层次感，也从而达到一定的意境感。就以达芬奇的名作《蒙娜丽莎》为例来做简单的剖析。我们看，若以此画的左面背景为主，画中的人物给人一种上升的视觉若以此画的右面背景为主，画中的人物给人一种下沉的视觉。若只看画中人物的眼睛，似一种温馨的微笑，若只看人物的嘴角，又似一种嗔怒。

再回头看，达芬奇的《蒙娜丽莎》画面中的整个人物框架呈现一个长方形，背景画面中呈现出方形、长方形、三角形等组合框架等，以此来体现画面中的层次感。远处明亮的天完和近处人物暗淡的衣服形成鲜明的对比，衬托出画的结构层次明亮的天空和山水与人物温馨甜淡的微笑，表现了画的意境。总之，西方写实油画是一种完美的再现现实的艺术，是一种高超的绘画技术，其优美的意境和超强的立体感，给人一种涤荡心灵之美的享受。

以上拙作只代表本作者个人观念，若有不同意见或建议，欢迎在评论区留言，受益诚谢。

如何拍出油画效果的照片？

前期拍摄出油画般的照片是有一定难度的，一般都要经过后期处理。先了解油画有什么特点：油画是西洋画的主要画种之一，具有色彩丰富厚重、画面有质感，层次分明，立体感强。前期拍摄时就要考虑后期处理，根据以往经验，用慢门拍摄的风光照片比较容易处理成油画般的图片。

下面是去年在鼓浪屿拍摄的照片，图片均呈现油画风格，这里我们通过图片来说明前期拍摄环境和后期照片处理。

1. 慢门拍摄时三脚架、减光镜（ND镜）或中灰渐变镜（GND镜）以及快门线是必备 的 ，慢门拍摄到的画面效果已经超出了人眼所能定格的范围，往往能给人们带来比较震撼的视觉效果，照片有质感，层次分明，立体感强，这点与油画元素相符。

2. 拍摄时间首选黄昏或阴天，因为黄昏拍摄光线柔和，色彩艳丽多彩。阴天拍摄光线均匀，能呈现画面本身的色彩，这与油画色彩丰富厚重，画面细腻相一致。

3. 有云层的天气拍摄，天空容易呈现油画特质，特别是有明显移动的云层，拍摄出的照片更有冲击力，容易出大片。如图 1-6 天空呈现的就是油画般视觉效果。

4. 黄昏时拍摄，天空与地面光比大，用点测光拍摄 ，使用渐变镜可降低天空与地面的光线反差。

5. 油画作品中，树木花草是常见的元素，前期拍摄时用逆光拍摄树木的照片经过后处理容易产生油画效果。因为逆光拍摄，树木轮廓较清晰，树叶呈现半透明效果。图7-9 树木就有这种油画特点。

6. 前期拍摄的照片一般2、3分钟处理就能创作出油画般的照片。我是用Snapseed 软件后处理（这款软件易处理而且效果好）。常用这几个软件项目：HDR景观，图片调整，白平衡，曲线，魅力光晕。

7. 注意：没有前期拍摄成功就不可能产生后期处理的好效果！

如何分辨手工油画和印刷油画？

纯手工绘制

画面有人工笔触感，在强光下，从画布背面看，画面中物体的边缘线一般不会太工整，厚薄不均匀，用手指沾少许水在画面，暗颜色的地方吐槽，手指上不会有任何色彩，用白纸也可以，因为油画颜料是油性的，不溶于水。

填色画（印刷在画布上，用油画颜料手工覆盖一到两遍）

这样的画，一般慢慢会有轻微的变色，时间长了，变色会更厉害，因为后期的油画颜料和印刷色在某种程度上混合了，这样的画，目前比较多，外观山和顺手工的画，几乎是没有区别，画面也有笔触感，但是透过强光从油画背面看，画面物黑白交界的地方比较工整，主要是：用手指沾少许水，在画面暗色地方吐槽，手指上会有颜色感，用白纸则更加明显。

如果是用白色的平布，画布的边沿会有一层胶水，显得发亮。所有填色画距离画面的边沿一公分左右的地方会由于一条界线，是原来印刷的时候是画面，后来手工填满后覆盖了，但仍然会在画面四周有一条痕迹。但也有少数是指印刷物体不印刷背景的，这样的画，强光背面可以看到很漂亮的印刷画（原作），而且整个画面厚度比较平均，手工画的背面只能看到手工大地色的相对难看的模样。

直接印刷在画布上

很直观就能看出来，色彩不够鲜艳，容易褪色。

人像摄影中油画类风格的作品比糖水片更有技术吗？您怎么认为的？

人像摄影中油画类风格的作品比糖水片更有技术

油画类风格的人像摄像作品看起来显的“古典”，色调饱满有层次感、意境感；而糖水片的人像摄影作品则给人很“清新”的视觉感受，说具体点就是青春亮丽、色调很活泼，但缺乏层次感，也没有戏剧性的效果，

经过上段的简单叙述，很明显，人像摄影中油画类风格的作品要比糖水片更有技术，我们可以这样理解，摄影和油画是不同属性的艺术，一张摄影照片被拍摄出油画风格的效果，这叫“跨界”了，同时具备“摄影、油画”两种风格，另一张摄影照片依旧是摄影风格，就一种风格，两者对比，肯定前者更有技术含量，

我们可以这么比喻：“糖水片”就好比光有外表身材的嫩模，而油画风格的人像摄影照片就如同韵味十足有阅历的女人，前后两者，哪种女人好看呢？其实都好看，凭个人的喜好；其实，无论是拍摄油画风格的人像，还是糖水片，都离不开构图、光影、线条、色彩这四要素，

并不是说“糖水片”就可以随便乱拍摄就行，既然是糖水片，那么肯定要有“糖水”般甜甜的味道，总不能像毫无味道的“冰水”一样吧。所以说，糖水片还是需要光影技巧的，拍摄时也要把握角度、色温，糖水片也是一种摄影风格。

作为艺术爱好者，怎样才能了解一幅油画有多好？

油画的画法与国画的画法稍有小小的不同!…油画注重于写实及层次感!注重画面上的立体感!…稍接近于水彩画!…

一幅好的油画:…画面上的设计整体要好、内容比例分配要适当准确、色彩颜料要合理运用、画面上:光线、层次、立体要丰富准确!…还有: 画作上尽留油彩痕迹!…(以上是个人的一点看法: 仅供各位师友参考丶斧正!…)

如何看待西方画家库尔贝的写实女人油画洋溢出浓重的朴实美感？

西方画家库尔贝的写实女人油画

19世纪50年代，库尔贝是法国最有争议的画家，他是反对布尔乔亚社会的公开反叛者，也是写实主义公认的领袖，围绕着他有一系列对他那些据称是“粗俗和丑陋画作”的揶揄，不过他的运气不错，有一位富有的赞助人一直支持着他，所以库尔贝从不为钱而烦恼，可以按照自己的个性去创作，虽然有人说库尔贝的画作粗俗丑陋，但是也有人肯定库尔贝的写实女人油画洋溢出浓重的朴实美感，事实上，的确如此。

库尔贝曾说：“让我见到天使，我才会画天使。”这句话贯穿于库尔贝的整个绘画生涯，很显然，没有哪个人见过天使，库尔贝也不例外，因为“天使”只有在神话故事里，在现实世界中是不存在的，因此，库尔贝笔下的油画女人都是普通平凡的形象，没有“天使”般的美貌仙气，虽然库尔贝对人物表面的华丽从来不屑一顾，不修饰女人的外在形态，但是他追求“随意自然”地描绘女人结实的线条、焕发青春气息的躯体，捕捉女人内在的活力，从而让普通平凡的女人洋溢出那“朴实的美感”，

值得注意的是，库尔贝选择的女模特跟比例协调、体态匀称的浪漫时期风格美女是截然不同的，他习惯选择丰满且有些肥胖的女人充当自己创作的模特，也就是生活中农村的女人，她们从骨子里就显的朴实，或者说是不懂打扮的女人，库尔贝以敏锐的色彩笔触如实的还原了女人的形态，而且不带任何一点修饰，比如，掩盖女人身上的赘肉。在库尔贝眼里，写实主义就是要忠实于生活，无论描绘女人还是风景，这也是库尔贝要让笔下的油画女人洋溢出浓重的朴实美感的原因之一。

“女人”题材自古以来都是西方画家的灵感缪斯，对于库尔贝而言，无论是描绘感官肉欲的裸体、有趣的寓言、着衣女人，还是童年记忆中的风景，他都以诚实的态度去呈现这一切；库尔贝认为唯有朴实的美感，才能体现女人的纯洁或是艺术的纯洁，不过，朴实不代表不能裸露，比如，那幅《世界的起源》画中的女人裸露尺度之大让人汗颜，其实仔细欣赏之后，也没必要惊讶，主要是因为整个画面没有任何想象的细节，她只是一个朴实无华的女人，人们在观赏时感受到现实生活中的女人也有这个样子，没任何修饰的真实，突然让人难以适应。

库尔贝作品

库尔贝堪称是写实主义的创立者和领袖，19世纪深有影响的文学和艺术运动家，关注普通的人、日常的主题和视觉的逼真，尤其对法国农民群体感兴趣（包括憨厚的男人、朴实的女人），他笔下的那幅《田园恋人》画中一对情侣亲密拥抱的画面，女人的脸庞透出热恋中的甜美光彩，依然给人浓重的朴实美感；还有那幅《画室》画中的裸体女人也并非理想的美，也是显的肥胖，她正在看画家画画，画的左右两边各有一群人，姿态各异，大部分人都是在看画家画画，似乎都没看见画家旁边还站着一个裸体女人……，《画室》这幅画库尔贝要表达的寓意很复杂，既是真实的隐喻，也是对写实主义背后的哲学的隐喻，或者简单说是“女人朴实的美感，让人性没有任何杂念”，这也是库尔贝将笔下的写实女人油画洋溢出浓重的朴实美感的原因之一。

库尔贝作品

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